MusicArena

Ophélie Gaillard: Exiles

Aparteの夏のリリースで、オフェリーが紡ぎ出すExiles、つまり亡命者たちと名付けられたテーマアルバムから。なお、このCDは日本の男声歌唱／ダンス・ユニットのエグザイルには全く関係しないことを念のため申し添えておく。


http://tower.jp/item/4472233

Ophélie Gaillard: Exiles

1. Bloch: Schelomo, Hebraic Rhapsody for Cello and Orchestra
2. Korngold: Concerto in One Movement for Cello and Orchestra in C, Op.37
3. Korngold: Die tote Stadt, Op.12, Act II: Tanzlied des Pierrot
4. Prokofiev: Overture on Hebrew Themes,
　　for clarinet, string quartet & piano, Op.34

　 Bloch: From Jewish Life
5.　Ⅰ.Prayer
6.　Ⅱ.Supplication
7.　Ⅲ.Jewish Song

8. Bloch-annon.: Wedding Dance(trad.)
9. Alberstein: Sarah Sings a Lullaby to Little Isaac
10. Yeshayahu: Freilechs, Sim Shalom, Azoy Tantzmen in Odessa

Ophélie Gaillard

Orchestre Philharmonique de Monte-Carlo,James Judd(1-3)

Sirba octet members(4-10)
　Phillipe Berrod(Cl)[4,5-7,10]
　Richard Scmoucler & Laurent Manaud-Pallas(Vn)[4]
　Claudine Legras(Va)[4]
　Léa Birnbaum(Vc)[8,9]
　Bernard Cazauran(Cb)[4,5-7,8,9,10]
　Maria Belooussova(Pf)[4]
　Lurie Morar(Cymb)[5-7,10]


オフェリー・ガイヤール：Exiles～亡命者たち

1. ブロッホ: ヘブライ狂詩曲 シェロモ
2. コルンゴルト: チェロ協奏曲 ハ長調 op.37
3. コルンゴルト: 死の都op.12よりピエロのひとり歌
4. プロコフィエフ: ヘブライの主題による序曲 op.34*
　 ブロッホ: ユダヤ人の生活から(全3曲)*
5.　　祈り
6.　　哀願
7.　　ユダヤの歌

8. ブロッホ: ウェディング・ダンス(伝統曲)*
9. ハヴァ・アルバースタイン**: 幼いイザークに歌うサラの子守歌*
10. Freilechs, Sim Shalom, Azoy Tantzmen in Odessa(伝承曲)

オフェリー・ガイヤール(チェロ)
モンテ・カルロフィルハーモニー管弦楽団[1-3]
ジェームズ・ジャッド(指揮)[1-3]

*　ジルバ・オクテットのメンバー
** b.1947/ポーランドに生まれイスラエルに移住した女性シンガーソングライター

この演奏について

ガイヤールの盤は昨年のC.P.E.バッハ以来で、その後、スパニッシュ系を集めたアルヴォラーダ(AP.104)と題するアルバムをリリースしているが残念ながら未聴。今回はその発展的続編と思われる叙情豊かでかつ仄暗いアルバムだ。それは、人権尊重の民主主義国家としてのアメリカ合衆国成立後に、ユダヤ系であることを理由にナチスから逃れるように亡命ないし市民権を移した作家＝ブロッホおよびコルンゴルトの作品を中心として組まれたものだからだ。なおプロコフィエフはユダヤ系ではないがロシア革命の難から逃れるため何度も逃亡生活を送っており、壮年までは似たような境遇といえなくはないし、ここに収録されたヘブライ（古代イスラエル＝ユダヤ人の国）を描いた作品も残している。

こういった作家たちはその人生の歩みの過程で受けた虐待ないし苛烈な原体験が心に楔となって残留し、従って彼らが表現した音楽のどこかしこにもその痛みが滲んでいるのだ。ガイヤールは、こういった彼らの足跡をトレースすることを趣旨として、特に日常における心象風景などを中心に、遠い異国から故郷へと向けられた望郷の念を描いたとされる作品を選んだという。

なお、キングインターナショナルのWebページによれば、このCDに収録されたプログラムはAparteレーベルとしては初のアナログLPレコードでも併売するようだ。

ブロッホ：シェロモ

曲の成り立ちなどの詳細は割愛するが、とにかく深刻で暗く悲しい、漆黒の音楽だ。旋律進行は重たくて時に疾駆する。和声はまさにベタ塗りの黒といった気配で光が差す場面は殆どない。Wikiなどによると、「アレキサンダー・バルヤンスキーの妻で、彫刻家のカサリンが制作したソロモンの像に着想を得て1916年冬、ジュネーヴにて作曲され、同夫妻に献呈された」とのことだが、なぜそのソロモンの像がブロッホをしてここまでの暗黒を描かせるに至ったのかは少々謎。

このシェロモは少し前に取り上げたマルク・コペイのオーダイト盤の冒頭を飾っており、ちょうどいい機会なので聴き比べつつ鑑賞した。ひとことで言うと二人のアプローチはまるで違うし、フレーバーも異なる。コペイはこの曲に関しては一切の湿潤さを排除しドライ、かつソリッドに、そして直線的、例えるなら版画のドライポイントのように細い線を幾重にも束ねて旋律を表現している。一方この盤のオフェリーの表現はとにかくふくよかで幅が広く、そして旋律も和声も球面で捉えたかのような三次元的広がりを伴った解釈だ。どちらもシェロモの解釈としてはありなのだろうが、オフェリーのこの暖色系の歌わせ方は優しい風合いで好感できる。

コルンゴルトの2題

最初は単一楽章形式の珍しいVcコンチェルト。映画や舞台音楽も手掛けたコルンゴルトらしい、非和声と和声とがないまぜになった劇的で壮大な動機、第1主題となっている。ここから展開して第2主題へと向かうが、このパートは一瞬だが黎明期の当時のアメリカの自由で開放的な明るい気風が漲っている。中間部にはグロテスクな非和声を中心として組み立てられる割と長めのカデンツァが入る。ここまでのオフェリーの精神集中した旋律にとても惹きつけられ、また技巧的にも完璧。

カデンツァ後、暗い第1主題が短く再現し、すぐに穏和な第2主題も再現し、これが長く続いて後半の入り口まで変奏を繰り返す。ジルバ・オクテットの面々が繰り出す黄金のアンサンブルを背景としたオフェリーが駆るフランチェスコ・ゴフリラーの渋い咽び泣きは必聴もの。後半の2番目の短いカデンツァが終わるとデモーニッシュな第1主題が激烈に再現してきて、これが転調を繰り返しつつ非和声中心に変奏を幾重にも積み上げる。最後のカデンツァは技巧的で比較的長い。コーダは第2主題のリフレインで、意外にもあっけないトゥッティで曲は終わる。

なお、ジルバ・オクテットはクレズマー／イディッシュ／ジプシックを専門とする、文字通りの八重奏集団であり、土着の熱気とやるせないエモーションがなかなか風情があり、聴くものの耳を惹きつけ、そして訴えかけてくるのだ。

歌劇「死の都」op.12：ピエロのひとり歌だが、これは非常に美しく抒情的なロマン派伝統ともいえるようなインテルメッツォ（間奏曲）。この曲だけは全編和声で構成され、非和声成分は一切含まれない。バックのジルバ・オクテットの面々の弦楽および鄙びた木管は非常に甘美、当然にオフェリーのVcは切々と綺麗な旋律を歌い上げる。

プロコフィエフ以降

ヘブライに関しては、プロコフィエフの真骨頂と言ってよいデモーニッシュさと可憐さとが隣り合わせになった不可思議系の曲の典型例。この対比はとても印象的でどうしても脳裏に残像として焼き付いてしまう。どろっとした部分は割と荒れ気味で敢えて強い調子で弾き切っているオフェリーだが、和声系に振った緩徐、あるいはヴィヴィッドなパートにおいては微細な弦捌きに切り替えて精密な弾き方としている。

ブロッホのユダヤ人の生活からは、まさに彼ら移民、あるいは流浪の人々のつらい日常生活の中から、信仰にすがり瞑想的で、だがどこか諦念し頽廃した痛む心の襞を見事に描いているのだ。祈り～哀願～ユダヤの歌と、オフェリーのゴフリラーが憂愁に満ちた旋律を純朴に、そして静かに歌っていく。ウェディング・ダンスは一転し、明媚で素朴、そしてテンションが高い民俗かつ民族臭のする曲で、このあたりからオクテットもオフェリーもトランスするように高みへと昇って行く。

最後の二つに関しては、クレズマー、イディッシュ、あるいはジプシー音楽というべきか詳細に明るくないので正確なところは分からないが、とにかく民族的に特化した独特の倦怠したムードが漂う律動、そして混濁した和声、そして何よりエモーショナルで強い旋律が何とも言えない佳曲だ。オフェリーがやりたかったのはこんな土の匂いのする音楽だったのだろう。音楽的、また文化的に特異なリージョンを扱った、特異なフレーバーのするアルバムとしてとても聴き応えがした。

録音評

Aparte AP142、通常CD。録音は2015年7月、2016年6月、ベニューは冒頭1～4トラックがl'Auditorium Rainier Ⅲ,Monaco、残りがá Nortre Dame du Liban, Parisとある。ディレクター：Nicolas Bartholomee、ミキシング／マスタリング：Maximillien Ciup & Nicolas Bartholomee、後半の録音担当はIgnace Hauvilleとある。音質は私が今まで聴いてきたAparteの中では過去最高水準であり、極めて安定した音像定位、高度な音場再現性、色付けなく透過性の高い音色と、録音における重大三要素を全て高い水準でバランスさせており、これは本当に秀逸な仕上がりだ。この盤に限らず、このところ手にする欧州クラシック録音の優秀性は群を抜いており、外れが殆どない状況。今回も実に満足した。


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Bloch: Schelomo & Dvorak: Vc-Con@Mark Coppey,K.Karabits/DSO Berlin

オーダイトの夏前のリリースで、コペイ／カラビツ／ベルリン・ドイツ響のドヴォコン他。



http://tower.jp/item/4515793

Bloch: Schelomo

Dvorak: KLID(Waldesruhe/Silent woods) for cello and orchestra, Op.68-5

Dvorak: Cello Concerto in B minor, Op.104, B.191
　Ⅰ. Allegro
　Ⅱ. Adagio ma non troppo
　Ⅲ. Finale: Allegro moderato

Deutsches Symphonie-Orchester Berlin
Kirill Karabits
Marc Coppey (Vc)

(1)ブロッホ: ヘブライ狂詩曲「ソロモン」～チェロとオーケストラのための

(2)ドヴォルザーク: 森の静けさ B.182

(3)ドヴォルザーク: チェロ協奏曲 ロ短調 Op.104

マルク・コペイ(チェロ;ゴフリラー(1711年製))
キリル・カラビツ(指揮)
ベルリン・ドイツ交響楽団

マルク・コペイについて

マルク・コペイ(コッペイとも表記）はフランス・ストラスブール生まれのチェリスト。パリ国立音楽院で学んだ後に渡米し、ブルーミントンのインディアナ大学で演奏法を学びプロの道へと進む。その途中と思われるが、弱冠18歳でバッハ国際コンクールで優勝したことで一部からは神童と称せられたようだ。この受賞をきっかけに国際的なステージで活躍し始め、ソリストとしてはインバル、クリヴィヌ、ギルバート、佐渡裕などとオケで共演、またミッシェル・ベロフ、オーギュスト・デュメイ、ヴィクトリア・ムローヴァら世界的かつカリスマ的な奏者たちとの共演も好評を博すに至っている。一方、小規模アンサンブルにおいても素晴らしいリレーションを発揮し、その深い洞察でイザイ・カルテットで目覚ましいリーダーシップとパフォーマンスを発揮した。ソロ活動に加え、現在では母校のパリ国立音楽院の教授として後進の指導にあたっている。なお、コペイがしっかりと共演した演奏としては、デュボワのMIRARE盤が印象に残る。

ブロッホ: ソロモン

重厚な作品であり、かつ解釈の難しい曲。さりとてシェーンベルクや武満、アルバン・ベルクのような無調性ではなく、ちゃんと秩序のある調の範疇で音楽を描いている。この曲は通しで演奏されるけれども内部的には曖昧な三楽章形式で、それぞれのパートは全然違う雰囲気だ。最初のパートの入りはまさに重く悲痛なもの。コペイのVcは軽やかに滑って行くが旋律も内声部も重苦しい。特に内声部の悲嘆にくれたような重奏が強く迫る。

中間部はいわば緩徐楽章に相当し、オケは静かに見守る感じ。そのためかコペイの独奏部がハイライトされる。明転する部分も間欠的に少しだけ現れるが、オケのパート、例えばCl、Obが長めのソロをとって、そのしじまを縫ってコペイが擦過音を駆使してどろっとした重苦しい雰囲気を転調を繰り返しながら綴っていく。

最終パートは継ぎ目なく徐々に訪れ、最初のパートの主題の再現から始まる。冒頭の主題を更に重くした展開部がずっと続く部分は息が詰まるくらいの閉塞感がある。ティンパニの静かで不気味な連打に乗せ、コペイが暗く悲しい別の主題を語り始める。哀歌といった風情。

森の静けさ

最初のソロモンの重苦しさを緩和してくれる、ある意味弛緩した選曲だと思う。この曲の名前はKLIDで通っているが、これはチェコ語だそうだ。とても緩徐で美しく、歪感のない純和声が過半を占め、ちょっとした移調と少しの非和声がアクセントなる佳曲といえる。コペイのVcのなんと美しく理性的なことか。

ドヴォコン

この曲は余りに有名で、今更何かを書こうとは思わないので、以下、この演奏の印象を書き綴る。1楽章の長い動機と序奏は普通と言えば普通だが統制のとれたコンパクトで誇張のない入りだ。民族色の強い勇壮で土の匂いのする大らかな主題をHrが刻んだ後、小さめなトゥッティが訪れ、そして、すっとコペイが入ってくる。堂々としたというより、寧ろナチュラルに語り掛けるように素の自分はこうだ、と言わんばかりのコンパクトかつハイスピードな歩の進め方。カラビツもその辺は理解してか軽量フェザータッチのサポートを心掛けているようだ。

緩徐楽章に入ってもコペイは特段に強い主張をするわけではなく、自然な地声で歌うようなモデレートなヴィブラートを使って、おそらくはドヴォルザークが描きたかったボヘミアの大地の情景描写を淡々とこなしていく。中間部はオケの情感極まる主旋律の啜り泣きが秀逸で、しかしコペイはそれに完全に与することなく冷静に内声部を織りなしていく。そしてこの楽章のコーダはコペイ、オケの融和が実に美しい。

最終楽章は再び勇猛なボヘミアン気風に戻り、ここでコペイは今まで見せなかったエモーショナルで強くてソリッドな音を発し、硬派な感情を漲らせて来る。そして中間あたりの緩徐部での情感の籠められた美しい主旋律の送弓と操弦がとても印象的。何ともいえない大らかで、そしてピュアで純朴な音色が静かな感動を呼び覚まさせてくれる。コーダ直前における鳥の囀り（さえずり）のようなVcのカデンツァには溜息が出る。この人のVcはまさに変幻自在というべきなんだろう。カラビツとはこういった展開で行こうと打ち合わせていたに違いないが、それにしても息がぴたりと合った理想的で稀有なこのコンチェルトの演奏設計には膝を打つのだ。

録音評

Audite AU97734、通常CD。録音は2016年8月29日-9月1日、ベニューはベルリン、Großen Sendesaal des rbbとある。録音フォーマットは96kHz、24bitのL-PCM。オーダイトは伝統的に無理をしない整った音調を旨とするレーベルだったが、久し振りに聴いたこの盤はかなり澄明でレンジ感のある優秀録音だ。品質は完全デジタルだが音の作りとしてはちょっとアナログ調に振った作りで、ちょうど20世紀末期のタンノイ、それもスーパーレッド・モニターを彷彿とさせる、梨地仕上げ、もしくはシルキーな肌触りとなっていて、昔のオーディオファンなら耳に懐かしい聴感かも知れない。これは、ドイツの楽団のサウンドをまるでチェコフィルのように聴かせるような演出なのかもしれない、というのは穿った見方だろうか。



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C.P.E.Bach: Vc-Con #2 Etc@Ophelie Gaillard/Pulcinella O.

Aparteレーベルの夏前のリリースで、これも久し振りとなるオフェリー・ガイヤールの録音。オフェリーは2014年にC.P.E.バッハのアルバムをリリースして好評を博しており、今回のこの盤はその第二弾となる。因みに前作は聴いていない。



http://tower.jp/item/4246088/

CPE Bach Project Volume 2

Carl Philipp Emanuel Bach:

Sinfonia No.3 in C major, Wq.182/3 (H.659)
　1. Allegro assai
　2. Adagio
　3. Allegretto

Cello Concerto No.2 in B-flat major, Wq.171 (H.436)
　4. Allegro
　5. Adagio
　6. Allegro assai

Sinfonia in E minor, Wq.178 (H.653)
　7. Allegro assai
　8. Andante moderato
　9. Allegro

Piccolo Cello Sonata in D major, Wq.137 (H.559)
　10. Adagio, ma non tanto
　11. Allegro di molto
　12. Arioso

Harpsichord Concerto in D minor, Wq.17 (H.420)
　13. Allegro
　14. Un poco adagio
　15. Allegro

Ophelie Gaillard (Vc)
Francesco Corti (Cem)
Pulcinella Orchestra


C.P.E.バッハ:

シンフォニア第3番 ハ長調Wq.182/3(H.659)
チェロ協奏曲第2番 変ロ長調Wq.171(H.436)
シンフォニア ホ短調Wq.178(H.653)
ピッコロ・チェロとチェンバロのためのソナタ ニ長調 Wq.137(H.559)
チェンバロ協奏曲 ニ短調Wq.17(H.420)

オフェリー・ガイヤール(Vc, Cond) ※1
フランチェスコ・コルティ(Cem) ※2
プルチネッラ・オーケストラ

※1 フランチェスコ・ゴフリラー1737年製、ピッコロ・チェロ
※2 フォルテピアノ：　F. ブランシェ1733年製、フランツ・バウムバッハ1780年製

C.P.E.バッハはJ.S.バッハの子供たちの中で最も成功を収めた人物

カール・フィリップ・エマヌエル・バッハはヨハン・セバスティアン・バッハと最初の妻マリア・バルバラとの間に生まれた2番目の子供だった。バッハ・ファミリーの子孫の中で最も多作で、当時においては父を上回るほどの名声を得て、彼もまた"大バッハ"と呼ばれ賞賛されたそうだ。

ベルリンではフリードリヒ大王が皇太子の時代から宮廷楽師として勤める。フリードリヒ大王はフルート演奏を嗜むことから、宮廷では彼のクラヴィーア作品はあまり取り上げられず、音楽的な嗜好性が大王と合わないこともあって優遇されたとは言い難い状況だった。それでもクラヴィーア演奏の第一人者との名声は確立され、相応の評価は得ていたとされ、フリードリヒ大王もC.P.E.バッハの鍵盤演奏には一目置いていたという。しかし、やはり反りが合わなかったためか、1767年に大王の制止を振り切り30年も勤めた宮廷をやめてハンブルグへ行ってしまう。

その後、ハンブルクの主要5教会の音楽監督に就任する。ハンブルクでは教会関係や市街の行事に音楽の演奏側、提供側として参画して大いに楽しみ、忙しい日々を送ったそうで、遂には自らが主宰する演奏会を定期化して企画し、楽曲の提供、出版と活動の幅を広げた。また欧州各国の文化人や演奏家たちとも広く交流を行い、彼自身もまた著名な作家としての地位を確立していったようだ。一方、音楽史においては、父・J.S.バッハらが頂点を極めたバロック音楽と、その後の古典派音楽をつなぐ時代の架け橋となる作家として枢要な人物であったと目され、いっとき低かった評価は昨今では見直されてきている。

ハンブルク・シンフォニーの一角＝Wq.182 #3、Vcコンチェルト

C.P.E.バッハの作品は、個人的には大学入学前後によく聴いていた。ホモフォニー主体で分かりやすく明るい作品が多く気分的にも癒しをもたらしてくれた。ところが、一方でJ.S.バッハの求道的で複雑なポリフォニー、即ち対位法による襞の深い難解な構築美の世界にどっぷりと填まり込み、その後数十年間抜け出せないなか、C.P.E.バッハの存在はいつしか薄れていく。前置きはそれくらいにする。その辺はまたの機会に記そうと思う。

C.P.E.バッハは生涯でシンフォニアと名付けた作品を数多く書いている。このシンフォニアとは、その後のモーツァルトやベートーヴェンなどの時代以降には交響曲と称される楽曲形式の萌芽と見ることができる。3部形式、また急＝緩＝急、あるいは明＝暗＝明といった基礎的な構図が既に確立されている。C.P.E.バッハのシンフォニアは弦楽向けと管弦楽向けに大別される。弦楽のためのシンフォニアはWq.173、Wq.177、そしてWq.182の#1～#6の6曲はWq.183と合わせて俗称ハンブルク・シンフォニー（交響曲）と呼ばれ、作品番号ベースでは3つ、曲ベースでは9つを書いている。冒頭は弦楽のためのシンフォニアWq.182の第3番で、明媚でバランスのとれた秀作。J.S.バッハのブランデンブルク協奏曲あるいはヴァイマル時代に多く書かれた長調のホモフォニー作品に通じるもの。

このアルバムの一つの頂点が次のVcコン。これまた明媚で宮廷的な気品に溢れた作品だ。J.S.バッハというよりはテレマンやボッケリーニに似た作風だ。オフェリーはちょっとアンニュイなパートも絡ませながらゴフリラーを駆って優美に歩を進めていく。しかし、この典雅で堂々たるボウイングはどうだろう。ぞくぞくする弦のタッチと絶妙なヴィブラート、速い旋回和音、大き目の構図でC.P.E.バッハの世界を紡いでいく。

シンフォニアWq.178、Vcソナタ、Cemコンチェルト

Vcコンの後に入るシンフォニアWq.178は管弦楽向けとされる作品群のうちの一つ。管弦楽向けシンフォニアはWq.174～176、Wq.178～181、Wq.183の#1～#3とあり、作品番号ベースでは8つ、曲ベースでは11曲を数える。曲想はJ.S.バッハでいえば管弦楽組曲の延長線上にあるような感じで、かつ、ケーテン時代のように少し思索的なパッセージも見え隠れする佳作。なお補足だが、Wq.178は現在では管弦楽向けシンフォニアとされている。しかし元々は弦楽向けに書かれたようだ。その後、作家自身が大衆受けするよう規模を拡張して補筆したというのが真相らしい。IMSLPで原曲の譜面を見る限り、第1Vn＋第2Vn、Va、Vc、Bas（この時代はバス・ド・ヴィオール）に加え、Ob（オーボエ）、Fl(この時代はフラウト・トラヴェルソ）×2（あるいはホルン×2）がフィーチャーされているが、この盤でプルチネッラ・オーケストラが演奏するのは当初の弦楽版のようで、Ob、Fl等は入っていない。

このアルバムのもう一つの頂点がピッコロVcソナタだが、これは元々はヴィオラ・ダ・ガンバと弦楽アンサンブルのためのソナタで、現代ではチェロ、あるいはピッコロチェロに置き換えられる。わざわざJ.S.バッハと対比するまでもないくらい秀逸で伸びやかな曲である。敢えて言うとJ.S.バッハの無伴奏Vcソナタ的な味わいも少し入っている感じか。演奏機会も録音機会も割と多めで耳にした人も多いのではなかろうか。

この曲は全3楽章で遅＝速＝遅の構成をとり、1楽章は通奏低音を担うCemとは素朴な対位法を形成するが、明白な分離を示さずホモフォニーの延長の「遊び」として取り入れられたものだろう。2楽章が演奏時間の過半を占めるという大規模なソナタ形式の作品であり、親交があったとされるモーツァルトとの類似性を仄かに感じる作風とスタイルといえる。オフェリーのピッコロ・チェロは実に魅惑的で、力強く朗々と旋律を刻むし抑揚に満ちたアーティキュレーション、深々としたダブルストップが聴く側の耳をグリップして離さない。

チェンバロ協奏曲 ニ短調Wq.17は、音数が多くダイナミックレンジの広い作品だが、憂愁に満ちた内面的な旋律と重層的な和声が特徴的でなんとも耳に残る秀作。J.S.バッハのBWV1000番台の一連のチェンバロ協奏曲に匹敵する作風と出来栄えだ。初めて耳にするフランチェスコ・コルティのCemは技巧的であるが何とも幽玄で雰囲気がある。

録音評

Aparte AP118、通常CD。録音2015年9月7～10日。ベニューは、á Paris église luthérienne de Bon Secoursとある。機材はMerging Pyramix、Horus AD8DP/DA8P、マイク：DPA 4041-SP、MMC4041+MMP4000-SPとある。なお、サンプリングがPCMであるかDSDあるいはDXDであるかの明示はない。音質だが、アンビエンスが非常に強くて超美麗に収録されている。弦やCemの微細な撥音が極めて明瞭に捉えられているし、オフェリーのVcの擦過音もとてもリアル。Cemの低域弦やコントラバスの低音も意外に伸びていてワイドレンジであることが分かる。音場は奥よりも左右に広がるタイプだが定位はセンターに自然に集まる傾向。従来のAparteレーベルの調音よりかは陽性なサウンドだ。また、録音レベルはかなり大きいのでヘッドフォン聴取に際しては音量に要注意。

2016.12.29 追記：
Vol.1とVol.2を合冊したお買い得2枚組（AP141）が発売されたのでお勧め。


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Glazunov: Concerto Ballata Op.108 Etc@Jamie Walton, Okko Kamu/Royal PO.

シグナム・クラシックスの昨夏の新譜から、イギリスの俊英ジェイミー・ウォルトンが弾くオール・ロシアンプログラム。



http://tower.jp/item/3925237/

Jamie Walton plays Glazunov, Prokofiev & Tchaikovsky

Glazunov:
　Concerto ballata in C major for cello and orchestra, Op.108
　Chant du Ménestrel, Op.71
　Mélodie for cello & orchestra in D major, Op.20/1

Prokofiev:
　Cello Concertino in G minor, Op.132

Tchaikovsky:
　Nocturne for cello & small orchestra(or Vc & Pf), Op.19-4
　Variations on a Rococo Theme, Op.33

Jamie Walton (Vc)
Royal Philharmonic Orchestra, Okko Kamu


グラズノフ:
　コンチェルト・バラータOp.108
　吟遊詩人の歌Op.71
　アラビアのメロディOp.20-1

プロコフィエフ:
　チェロ小協奏曲ト短調Op.132

チャイコフスキー:
　夜想曲嬰ハ短調Op.19-4
　ロココ風の主題による変奏曲イ長調Op.33

ジェイミー・ウォルトン(チェロ)
オッコ・カム(指揮)、ロイヤル・フィルハーモニー管弦楽団

サポートはこのところ度々来日し読売日響や日フィルなどの客演で知名度も上昇中のオッコ・カムが振るロイヤル・フィルハーモニー管弦楽団。

このアルバムは、グラズノフのコンチェルト・バラータ、プロコフィエフのチェロ小協奏曲、チャイコフスキーのロココ変奏曲のオリジナル版を含む、割と小規模で渋いチェロ・コンチェルト様式作品を集めたコンピレーションでよく見られる組み合わせ。これらはロシアの大地の香りがするというか、なんだか郷愁を誘う選曲となっており、部分的には熱情的で雄弁な解釈により高揚する抒情性も表出している。

コンチェルト・バラータは単楽章形式で演奏時間20分ほどという中規模なVcコンチェルト風の曲で、内部は三部形式が複数個組み合わさった感じ。第一主題、第二主題そして第一主題再現部、そして新たな第三主題が唐突に提示され、それが第一主題と三部形式を成し、最後に第一主題が去来して三部形式を再構築して終わるというちょっと複雑な構造。A-B-A→C→A-C-A→C→A-B-A で、途中に幾つかVcのカデンツァが挟まる。曲想自体は温和で綺麗、平凡といえば平凡で、奇を衒った旋律も和声も出て来ず、とても平和裏に淡々と進む。

グラズノフの作品としては次の吟遊詩人の歌の方が有名かもしれない。切々とした哀愁・旅情に満ちた心象風景はVcに向いた歌わせ方。さすらう詩人の憂鬱な心をウォルトンは丁寧に紡ぐ。アラビアのメロディーはコンチェルト・バラータを小規模で更に抑揚を削いだような平和な曲で、Vcの優しくてふんわりとした肌触りが似合う曲。但しアラビア風もしくはアラベスクというにはテンポが緩やかで旋律や和声が異国情緒を伴っているわけでもなく変化に乏しいが、作家本人が付けた名称ゆえ仕方ない。

プロコフィエフのコンチェルティーノはグラズノフの後に聴くと刺激があって物凄く深く、あるいは明媚に感じられる。小協奏曲とは言うが三楽章形式の立派なものである。一楽章は暗くて深い襞が伴った悲壮感漂う変形ソナタ形式、ロシア的な力強さが感じられる。二楽章は緩徐楽章で一転して優しくて綺麗。プロコフィエフの他の多くの作品に言えることだが、一楽章と三楽章以降は現代音楽風でドロドロしているが、二楽章は大概が清らかで普通の音楽。この作品の場合も例外ではなく温和で穏健、調和美を見せる。三楽章はやはりグロテスクな主題がファゴットあたりで奏でられて導入されその主題がウォルトンのVcに引き継がれて展開されていく。途中、調性は複雑で難解な変化を見せる。

ロココ変奏曲はちょっと不幸で複雑な経緯を辿った作品。ロココ様式風の主題を用いた端正な単楽章・多変奏形式の協奏曲風の曲であり、管弦楽編成は小規模。序奏と主題、それに8つの変奏が付いている。但し、長らく7つで演奏されてきた。詳細はWikiにあるので以下、縮約して引用：

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この曲は1876年12月～1877年1月にかけ、チャイコフスキーが彼が懇意にしていた名Vc奏者＝ヴィルヘルム・フィッツェンハーゲン（1848-1890）に献呈するために書かれた。1877年12月1日、モスクワでフィッツェンハーゲンのチェロ独奏、ニコライ・ルービンシュタインの指揮により初演。

チャイコフスキーはこの曲をスケッチしたときフィッツェンハーゲンの意見も取り入れて書いたが、フィッツェンハーゲンは初演に際して、チャイコフスキーから許容されていたチェロ独奏部のみならず無断で第8変奏をカット、また各変奏の曲順を入れ換えて演奏した。このとき、フィッツェンハーゲンはチャイコフスキーの自筆譜に直接同じ色のインクで書き込んだという。フィッツェンハーゲンの無理やりの改変は演奏効果を高めることとなり、結果として成功した。しかしチャイコフスキーが当初考えていた意図は失われてしまった。その後チャイコフスキーもフィッツェンハーゲンに気兼ねして遠慮したためか生涯、元通りに復元させようとはしなかった。

ずっと経ってからだが、1930年にヴィクトル・クバツキーという人物によりチャイコフスキーの自筆譜を復元する試みが開始される。クバツキーは、モスクワ犯罪科学調査研究所の協力によりX線と電子光学整流器によりチャイコフスキーの筆跡を判定する作業を行い、20年以上経った1955年7月に原典版の復元に成功。翌1956年にチャイコフスキー全集として出版された。この時スコアしか出版されなかったことや演奏効果の面などから多くの演奏家が現在でもフィッツェンハーゲン版を用いているが、近年ではラファエル・ウォルフィッシュ、ジュリアン・ロイド・ウェバーやスティーヴン・イッサーリスなどこの原典版による演奏も増えつつある。日本でも藤原真理の校訂により全音楽譜出版社より発売されている。なお、この曲はチャイコフスキー国際コンクールチェロ部門の課題曲であるが、第12回(2002年)大会からは原典版の演奏による参加が規定されている。
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ジェイミー・ウォルトンによるロココ変奏曲だが、淡々とドライに進む。特段に感情移入したり、エキセントリックな演奏効果を得ようと試みたりはしていない。但し、インサイト（内的表現）と弾き込みがいかにも深い。こういう若竹のような奇を衒わない、それでいて深い洞察を見せる演奏スタイルとしては、やはり昨今は心境著しいヨハネス・モーザーに似たところがある気がする。このところ若手～中堅の男性チェリストが数多く台頭してきているがジェイミー・ウォルトンもその一角を成す一人で、とても才能豊かで前途に希望を抱かせてくれる存在だと思う。


（録音評）
Signum Classics SIGCD407、通常CD。録音は2013年3月25日、27日。場所はCadogan Hall, London、Producer/Editor:Nick Parker、Recording Engineer:Andrew Mellor、Recording Assistant:George Piersonとある。音質はクリアで豊かなプレゼンスを持ち、音場展開は割と深めだが左右へのスプレッドも良好、残響は適度である。ジェイミー・ウォルトンのソロVcの捉え方はほぼ中央のちょっと奥寄りで少しオフマイク気味となる。レンジはフラットかつワイドで、CbやVcの低音弦が実に朗々と鳴り響く。全体的にとても大人びた調音だ。



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Saint-Saens: Vc-Con#1 Op.33 Etc.@Natalie Clein, A Manze/BBC Scottish SO.

昨夏のハイペリオンの新譜で、ナタリー・クライン／マンゼ＋BBCスコティッシュの演奏でサン＝サーンスのVcコン他。



http://tower.jp/item/3661544

The Romantic Cello Concerto, Vol.5: Saint-Saëns

Saint-Saëns:

Cello Concerto No. 1 in A minor, Op. 33
Cello Concerto No. 2 in D minor, Op. 119
La Muse et le Poète, Op. 132
Allegro Appassionato in B minor Op. 43
Le carnaval des animaux: Le Cygne

Natalie Clein (Vc)
BBC Scottish Symphony Orchestra, Andrew Manze(Cond)

Antje Weithaas (Vn) (La Muse)
Julia Lynch (Pf) & Judith Keaney (Pf) (Cygne)


ロマンティック・チェロ・コンチェルト・シリーズVol.5 ～ サン=サーンス: チェロ協奏曲集

サン=サーンス:

チェロ協奏曲第1番イ短調 Op.33
チェロ協奏曲第2番ニ短調 Op.119
ミューズと詩人たち Op.132　*
アレグロ・アパッショナート ロ短調 Op.43
白鳥～動物の謝肉祭より　**


ナタリー・クライン(チェロ)
アンドルー・マンゼ(指揮) BBCスコティッシュ交響楽団
アンティエ・ヴァイトハース(ヴァイオリン)*
ジュリア・リンチ(ピアノ)**
ジュディス・キーニー(ピアノ)**


ナタリー・クラインのEMIメジャー・デビュー盤であるエルガーVcコンを聴いたのはもう8年ほど前の話になる。優雅で繊細、そして情感表現も巧みであって印象に残るよい演奏だった。そして順番が逆になったが、その後、本当の初録音であるEMICFP盤も手に入れ、軽やかで飛翔感の強いブラームスVcコン#2、アルペジオーネ・ソナタなども聴いた。

そして、相当期間が経ってふと目に留まったのがハイぺリオンからリリースされていたサン＝サーンスのVcコンのアルバム。ちょっと前に取り上げたイングリット・フリッターのLINN盤と同様、ナタリー・クラインもまたEMIから他へ移籍していたということに遅まきながら気付いた。時期的に見ると他にもEMIから移籍して行ったアーティストがいたことから、EMIがソニーに買収されたことに関係しているのかもしれない。

この盤はハイぺリオンに移籍して3枚目のアルバムとなるらしく、1枚目はコダーイ、2枚目はブロッホ＆ブルッフと民族楽派のプログラムを収めたこれら2枚はなかなかに好評だったとのこと。そして、この捻りのないジャケットは「ロマンティック・コンチェルト・シリーズ」というハイぺリオンの特別企画のものらしく、錚々たるアーティストが演奏したロマン派協奏曲を並べているそうだ。そのシリーズの中にナタリーも名を連ねることとなったのがこの盤、ということらしい。

サン＝サーンスのVcコンは1番が有名だが、なぜか2番は演奏機会も録音機会も殆どない。凄くよい曲なのでもっと露出が多くてもいいと思うが。比較のためイッサーリスの盤を探したが見当たらないし、過去日記を探しても見当たらない。他にはNAXOS盤や巨匠時代のものがあるが古くてピンとこない内容。イッサーリスのRCA盤は確かに聴いていて演奏の骨格も明確に覚えているのだが、日記を書いた記憶はない。管理が悪いのか、それとも誰かから借りて聴いて感想も書かずに返したのか、その辺の足元の記憶が覚束ない。加齢とは残酷なもので、ぐっと気落ちした。

このナタリーの盤を通勤途上で聴くためiPodに入れようとiTunesライブラリを開いたら、なんとイッサーリスのアルバムが見つかった。そうだ、思い出した。家でオフ会をやった時に参加者の一人から貸して欲しいと言われて手渡し、そのままになっている。その人とはもう連絡はつかないだろう。盤は失ったこととなるが気持ちがちょっとすっきりした。iTunes上のイッサーリスの演奏をざっと復習してからナタリーの盤を聴き始めた。

1番の冒頭からふわりとした軽いフェザータッチのナタリーの擦弦が印象的。アンドルー・マンゼのリードが巧み、かつオケがそれに呼応して精緻で綺麗な演奏をする。しかもナタリーの細めの音色にマッチする知的で重くならないこのバックは優秀だ。この1楽章形式のコンチェルトの内部は3つに明確に分かれていて、これは3楽章形式の普通のコンチェルトと言っても良い内容。但し、各パートはほぼ繋ぎ目なしに演奏されるという点だけが他と違う。

世には色んなタイプのVcソリストがいて、彼らの演奏上の特徴をどう分類するかについては諸説あろうかと思う。そのうち、楽器の固有音色及び楽想上の表現方法が太い・細いという観点がある。つまり、絵画で例えるなら、絵具を含ませた筆で実体感を伴った描画をするのか、それともドライポイント・リトグラフのように極細線の集合体で精緻に描画するのか、という違い。若手中堅で例えるならフォーグラーやウィスペルウェイ、ミューラー＝ショット、ガイヤールなどは太く、ホルヌング、ドマルケット、ゴーディエ・カプソン、ガスティネルなどは細い。

ナタリーに関しては明らかに後者のタイプであり、軽量かつ極細の絹糸を束ねて音を編み上げるという楽想なのだ。しかも技巧的にはとてもハイスピードであり高域弦の鳴らし方はVaかVn並みの精巧さ。巨匠と比べるのは違和感があるかもしれないが、この弾き方を微視的に聴き込むとマイスキーの語法に似たところがあり、端々で既視感を覚えるのだ。

それでは、勇壮で憂愁感を湛える太い骨格の1番がスケールダウンした鳴り方をするのかというと、そういうことはなくて、当たり前だが譜面上の音価はその通りに弾かれる。ただ、荒れたところが皆無、どこまでも心地よい肌触りの演奏／解釈なのである。

希少な2番だが、この曲は全2楽章形式。しかし1楽章は前半と後半とではまるで違う曲となっているし、コーダに至るまで前半の主題が再現されることもない。これは1番の建付けと同様で、前半部と後半部とが途切れなく演奏されるというもの。前半は1番と似通った、割と強めの動機と毅然とした旋律が支配的で、本当はイッサーリスのようにゴリゴリと鳴らした方が目鼻立ちが整ってアピーリングなのかもしれないがナタリーは自らのペースを崩すことなくメロウに、そして繊細に弾き込んでいく。

この盤の白眉はここの後半だ（＝一応、同じ第1楽章の中なので第2主題というのが正しい）。この第2主題は恐ろしく綺麗な旋律と、夢見心地のアンビエントを放散する甘美な和声とによって構成された緩徐な曲であり、ナタリーの弾き方が本領を発揮してシナジー効果を生み出しているといってよい。このパートがどれくらい夢見心地かというと、マーラーでいうと2番4楽章（＝いわゆる原光）や5番4楽章アダージェットに匹敵するくらい。

長くなったので残りはクイックに書く。ミューズと詩人たちOp.132もなかなか楽しめる内容で、ナタリーの紡ぐ琥珀色の主旋律に対して相方のアンティエ・ヴァイトハースのVnは柔肌の質感であり、聴感の襞の奥まで迫り来る素晴らしい演奏。アレグロ・アパッショナートOp.43についてはパワフルで聴かせられる演奏。最後を締める謝肉祭の白鳥は、呆気にとられるくらいドライで素っ気ないが、実はナタリーの本質はここにあり、という具合にべたつかないハイスピードな稀有なボウイングには快哉を送りたい。


（録音評）
Hyperion CDA68002、通常CD。録音は2013年6月12日-13日、シティ・ホール(グラスゴー、イギリス)とある。音質は典型的なハイペリオンであり、軽くてシズル感が強い録音ポリシーは一貫している。音場展開はトラックごとに微妙に変化するが、トータルとしては奥行きがあって、かつ左右への展開もナチュラル、そして、オケも独奏楽器も音色がとても綺麗。サン＝サーンスの音楽はハイセンスで軽いイメージがあるのだが、実際には意外なほど奥深い入念な音絵巻を形成していることが録音媒体を通して理解できるという作品であった。音楽ファンにもオーディオファイルにもお勧めできる一枚。



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Dvorak: Vc-Con Etc@Maximilian Hornung,Sebastian Tewinkel/Bamberger SO.

ソニーの春の新譜で、チェロの新鋭マキシミリアン・ホルヌングが弾くサン＝サーンスの組曲ニ短調とドヴォルザークのVcコン。バックはテヴィンケル率いる名門バンベルク響。



http://tower.jp/item/3495939/

Saint-Saëns: Suite for Violoncello and Orchestra Op.16
　Prelude
　Serenade. Andantino
　Gavotte. Allegro Non Troppo
　Romance
　Tarentelle

Dvorák: Concerto for Violoncello and Orchestra in b minor Op.104
　Allegro
　Adagio, ma non troppo
　Allegro Moderato

Saint-Saëns: Romance Op.36

Maximilian Hornung(Vc)
Bamberger Symphoniker, Sebastian Tewinkel(Cond)


サン=サーンス: チェロと管弦楽のための組曲ニ短調作品16
ドヴォルザーク: チェロ協奏曲ロ短調作品104
サン=サーンス: ロマンスヘ長調作品36

マキシミリアン・ホルヌング(チェロ)
バンベルク交響楽団
セバスティアン・テヴィンケル(指揮)

ホルヌングは若年ではあるけれどもあのBRSO（バイエルン放送響）のプリンシパルを務めてきた実力者で、昨今、独立してソロ活動を開始したという人物。彼は今までも数枚はレコーディングはしていたらしいが、これがソニーからのデビュー盤ということになるらしい。他にももう一枚リリースしているらしいがそちらは未聴。

サン＝サーンスのニ短調組曲は国内では余り馴染みがないのではなかろうか。サン＝サーンスの組曲といえば何といっても動物の謝肉祭があまりにも有名、そしてピアノ伴奏によるチェロ独奏である白鳥は日本国内では知らぬ人が殆どいないほどの名曲となっている。その一方、ニ短調組曲は、明媚な作風で知られるサン＝サーンスの作品としては珍しくバロック様式によるシンプルで捻りが少ない単調な造作からか、それほどの演奏機会はない気がする。

また、独奏チェリストの演奏会はそこそこ開かれているものの、ニ短調組曲は元々は管弦楽との中規模アンサンブルとして書かれているため、どうしても他の大規模協奏曲が選ばれてしまって表舞台にはなかなか登場しないのではなかろうか。チェリストのリサイタルでは管弦楽アンサンブル版からサン＝サーンス自身が編曲したピアノ伴奏版が弾かれることが稀にあったり、また、ピアノ伴奏版と同時に作成されたという独奏ヴァイオリン版も亜種として存在し、そちらも稀に取り上げられるようだ。ただ、私は実際にこれらの亜種は聴いたことはない。

ホルヌングの演奏は重量感が少ない粒立ちの良い発音ながら、切々とした情感表現にも長けた現代的なもの。ニ短調組曲はややもすればダルな印象と化するが高い集中力と弦のコントロールによって道筋を一本通しているところが秀逸。このオールドファッションドな組曲の最終楽章にあてている珍しいタランテラをハイテンションで弾き抜けているところが印象的。

ドヴォルザークのVcコンは今更ながら云々いうことが憚られる名曲中の名曲だ。あまたの名演奏が現在までに残されている中で、とりわけこの演奏について優劣をつけようとは思わない。バンベルク響のオーケストレーションはちょっと古風であり、この暖色系のサウンドはこの曲が持つ本来の肌合いにマッチしていて秀逸だ。そこに力みのないホルヌングのシルキーなVcが重畳されることで、どこか懐かしい田舎の原風景を見るような安心感が醸されているのだ。

この人のVcは基本的には細身で正確な操弦技巧と、さらさらと突っ掛りなく流れるフランクなスケールが特色。このドヴォコンにおいては彼の爽やかで嫌みのない、そして、ともすれば大袈裟で過度な抒情演出、激しく彫りの深い独奏となりがちなところ、薄味だけれどもぴりっとしたスピード感が貫かれている。緩徐楽章でのメロウな歌い込みは適切であるが、事大がかった大仰なものではなくて速度感重視の引き締まった展開、最終楽章のドライブ感の強いちょっと速足テンポがとてもお洒落で好感度大である。

最近のソニーは若手有望株を多く発掘してくるのがうまく、またコンテンツのプロデュース／アレンジも巧みであってなかなか充実している。そしてこのアルバムもまた例外ではなく、アーティスティックで唸らされる内容となっている。


（録音評）
Sony Classical 88697749252、通常CD。録音は少し古くて2010年11月2日～5日、バンベルク、ヨーゼフ・カイルベルト・ザールとある。このCDの音質だが、たまにソニーが確信犯的にやる古風な調音が施されており、ちょっと暖色系。これは、バンベルク響の古典的な器楽サウンドに音色を合わせたというコーディネートなのかもしれない。しかし、古色蒼然としているのは音色だけで、他の音質要素は基本的には相当優秀な録音なのだ。ホルヌングのVcやオケの器楽配列の音像定位はピンポイントだし、音場展開は奥行方向へブロードに拡がっている。このアルバムは内容的には優れているし音質的にも優れた一枚と言える。



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Dvorák: Vc-Con, Dumky＠Queyras, Belohlávek/Prague PO

ハルモニアムンディの去年夏頃のリリースで、ドヴォルザークVcコンとドゥムキーの定番カップリング。



http://www.hmv.co.jp/product/detail/3599064

ドヴォルザーク：
・チェロ協奏曲ロ短調Op.104
　ジャン＝ギアン・ケラス（チェロ）
　プラハ・フィルハーモニア
　イルジー・ビエロフラーヴェク（指揮）

・ピアノ三重奏曲第4番ホ短調Op.90『ドゥムキー』
　ジャン＝ギアン・ケラス（チェロ）
　イザベル・ファウスト（ヴァイオリン）
　アレクサンドル・メルニコフ（ピアノ）


Vcコンの方は清冽で伸びやかなメロディ・ラインが全楽章で一貫しており、現代的でクールな演奏だ。深刻で重量感のある従来からのヴィルトゥオーゾ路線とは一線を画した爽やかさが特徴で、ケラスの現代的芸風をよく表していると思う。オケはかつてファウスト／ベトVnコンと同じでこちらも軽量かつハイスピードなアシストが爽やか。1st vnが4プルト、2nd vnが3プルトという古典派オケとほぼ同等の小規模配列ながら思いのほか音量は多めでそんなに小さなオケとは思われない演奏だ。

ドゥムキーの方は一転して深い描き込みとダイナミックな量感でゆったりと展開される渾身の出来映えだ。低音弦から高音弦まで満遍なくブロードに楽器を鳴らす技術はさすがと言わざるを得ない。特に高音域の美しさは昨今のVcソリストでは群を抜いているのではないだろうか。もう一人ソリストとして参加しているイザベル・ファウストのVnとの和声は音色的にも音程的にも綺麗に揃っていてほぼ完璧な出来。あまりに美しいハーモニーなので思わず唸ってしまった。メルニコフのPは硬質でドライ、そして極めて精緻な弾きっぷりで素晴らしい。3人の集中力が最初から最後までピンと張りつめて弛緩せず、終始息がぴったり合った状態を維持している。重厚だがハイスピードでクールなこの現代的ドゥムキーは、新スタンダードとして常備するに相応しい演奏といえる。

（録音評）
Harmonia Mundi、HMX2901867、通常CD。録音は少々古くて2004年。音質は典型的な仏Harmonia Mundiのもので無彩色・無着色、そして透過度の高い仕上がりだ。Vcコンの方はプラハ、ルドルフィヌム（ホール）での録音でサウンドステージの奥行き感が豊か、ドゥムキーはテルデック・スタジオでの録音で非常に高い解像度で描かれている。音質は後者の方が圧倒的に良好。ハルモニアムンディはUSAの方のSACDであれフランス本社の通常CDであれ、とても安定した音質だ。

どうも、同じ内容がSACDハイブリッドで出ているようだが、これは通常CD。ちょっと残念。


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Elgar, Delius: Vc-Con@Jacqueline du Pré

先だっては昨今のVn奏者の動向を色々と聴いてきた。そしてここ数日はVc奏者はどうなんだろう？　ということで色々聴いている。そこでどうしても外せない時代的金字塔を聴こうと家じゅうを探すがどうにも見つからない。



http://www.hmv.co.jp/product/detail/2602749

・エルガー：チェロ協奏曲ホ短調作品85
・ディーリアス：チェロ協奏曲

ジャクリーヌ・デュ・プレ（チェロ）
ジョン・バルビローリ指揮　ロンドン交響楽団（エルガー）
マルコム・サージェント指揮　ロイヤル・フィル（ディリアス）

このカップリングは東芝エンジェルのLP盤で持っていたがレコードを捨てた時に最初期の同一内容のCDを買っていた。それ以外にもLPではライブ録音バージョンなども持っていた。

その古びたCDを2年ほど前に家でかけた記憶がある。しかしどうにも見つからず、結局、苛々が高じて買ってきてしまった。こういった行動に出た直後は往々にして探し物が見つかることが多いのだが・・。これは国内盤で大昔のものとジャケットは異なっている。ライナーを見るとこのCDは2007年の国内リイシューであり、その前のリイシューも同じジャケの様で、いつからこの写真が使われているかは分からない。

この盤は超有名・超名盤といわれているし、今更このエルガーの時代的名演奏を云々はしないが一言だけ。とにかくこの暗鬱なエルガーのVcコンをここまで深刻に切なく歌うVcは確かに不世出だ。一楽章第二主題はもんどり打つような感情移入が凄まじく、大きく揺らぐヴィブラートは慟哭する人の喉が絞り出す声とそっくりである。何度聴き直しても呆気にとられて引き込まれる鬼気迫る演奏。

ディーリアスはこの鬱々たるエルガーの後始末としては精妙なカップリングであり、途中、ファ抜きのオリエンタルムード漂う旋律も手伝ってか軽い浮遊感に遊ぶことが出来る。久し振りに聴いたがなかなかによい演奏だ。

同じアルバム内容で高価なHQCD盤でもリリースされているが、買ってきたこれは安価な通常CD。EMI CLASSICS BEST 100シリーズの一枚。

（録音評）
EMIの国内盤、TOCE-14049、通常CD。録音はエルガーの方が1965/8/19、ロンドンのキングスウェイ・ホール、ディーリアスの方は1965/1/12～14、アビーロード・スタジオ。

驚いたことに古い盤と音質が全く異なっていて格段に改善している。元々は歪が多くてノイズっぽく、その雑然とした音質はとても褒められたものではなかったのであるが（LPも・・）、これはリマスタされた盤であり、エンジニアにはYoshio Okazakiと名前がある。この人は割と著名なトーンマイスターらしいが、必ずしも評判は良くないようだ。またOkazaki氏がいつ頃この盤をリマスタしたのかは定かではない。

しかし、ここまでディテールを修整出来るとはなかなか大したものであり、昨今の録音だと言われても殆どの人は気が付かないのではないだろうか。但し少々事大がかった音の組み立て方で、迫力があるといえばその通り、まぁ、表現を変えるなら派手な演出とも言えそうだ。そこは好みの問題だろうが。昨今のリマスタ技術は進んでいる。

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21st Century Vc Concertos@Jean Guihen Queyras Etc.

ハルモニア・ムンディの新譜から、21世紀の作家によるVcコンが三題で、ソロを弾くのは新進気鋭のケラス。



http://www.hmv.co.jp/product/detail/3572396

(1)B.マントヴァーニ：チェロとオーケストラのための協奏曲
(2)シェーラー：風の目（チェロとオーケストラのための協奏曲）
(3)アミ：チェロとオーケストラのための協奏曲

ジャン＝ギアン・ケラス（チェロ）
(1)ギュンター・ヘルビヒ（指揮）、ザールブリュッケン放送交響楽団
(2)アレクサンダー・ブリジェ（指揮）、フランス国立放送フィル
(3)ジルベール・アミ（指揮）、パリ管弦楽団

録音：(1)2005年9月、(2)2008年5月、(3)2006年9月

ケラスと現代音楽、取り分けアンテルコンタンポラン時代にブーレーズから受けた影響と薫陶に付いてはHMVなどに書いてある通りだが、別段現代音楽だけではなく古典派からロマン派まで幅広いレパートリを持つ現代を代表する新進気鋭のチェリストだ。

B.マントヴァーニの作品は重苦しくも音の数が多い現代曲で、12音技法でもなければトーンクラスタでもなく、なんとも不思議な音楽だ。敢えて言うなら不協和音を幾重にも重ねてその間に刹那的な調和を表現しようとした様な重厚な音楽で、ダイナミックレンジは極めて広い。案外と短くてすぐに終わってしまう感じのシングルトラックだ。

シェーラーの風の目という作品は冒頭から変わっていて、ずっと無音かと思って聞き耳を立てたら、なんとピアニッシモで通奏されるグランカッサなどの極低音が微かに聞こえるのだ。音量を上げて聴き直すとなにやら心臓の鼓動のような、また遠くで鳴り響く不気味な雷鳴の様な感じだ。この曲はパウゼが多く、空白という音符を有音の空間に散在させることによりネガ・フィルムのように明暗逆の描き方をさせているような技法だ。どちらかというとトーンクラスタ技法に似た方法を部分的に使っている、静寂と余韻が印象的な複数楽章からなる作品。

ジルベール・アミの作品は武満徹へのオマージュであると書いてあるが、言われてみると外形は似ている気がする。しかし、それは12音技法と言うよりはジョン・ケージらの偶然音メソドロジーに近いものだろう。無調性ではあるがクラスタ的にはどこかに調性が存在する気がしてならない。それはアルバン・ベルクの後期作品のような旋法のフレーバーが感じられるからかも知れない。

いずれの作品もチェロ・コンチェルトと言うには無理のある作品形態だ。しかし、そう言った型枠に嵌めた聴き方は敢えてしない方が良いと思う。こういった作品は先入観を取り去った方が案外楽しめるのだと思う。

（録音評）
Harmonia Mundiフランス、HMC901973、通常CD。音質はどれも極めて良好。トラックごとにオケも録音場所も異なるため音質はそれぞれ異なる。しかしそれぞれに調音が綿密に行われていて極端な差異が聴き取れないよう工夫されている。最後のアミの作品の音場空間の透明度は驚くべきもので、ステージ間近で聴くライブの現代音楽を彷彿とさせられる。このCDはオーディオ的な快感がマキシマムに到達すると突然壁抜けする。


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Hallgrímsson: Vc-Con Op.30, Herma Op.17@Mørk, Storgårds/Scottish CO.

フィンランドONDINEの輸入新譜から、ハヴリジ・ハトルグリームソンという現代作家のVcコン二題。ソロVcは名手トルルス・モルクだ。



http://www.hmv.co.jp/product/detail/3573873

Halflið Hallgrímsson:
Cello Concerto Op.30(World Premiere Recording)
Herma Op.17 for cello and string orchestra

Truls Mørk(Vc)
Scottish Chamber Orchestra, John Storgårds(Cond)

例によって解釈の難しい現代音楽だ。だが新ウィーン楽派に見られるような12音技法やトーンクラスタではなく、ある程度の調和を辛うじて保っているような音楽だ。ハヴリジ・ハトルグリームソンは元々はアイスランドに生まれ、そこでチェリストとして音楽キャリアをスタートしたが、その後には拠点を英国エジンバラに移し、このCDのオケ演奏を担当してるスコティッシュ室内オーケストラのチェリストとして活動してきた。しかし作曲活動に先進するためにチェロ奏者としての活動は休止して現在に至っている。

VcコンOp.30はハトルグリームソンの二曲目となるVcのための協奏曲で、一曲目は協奏曲とは銘打っていないもののこのCDの二つ目に入っているヘルマ（＝アイスランド語：英語で言うとherald importtant newsだそうで、昨今では人の言葉を引用したり真似たりする時に使われるという）という作品がそれに当たる。どちらも一楽章形式の曲で、それぞれは連続して一気に演奏されるが、中味は割と明確な領域分けがされている。いわば起承転結の見られる緩い結合状態の3～4楽章形式だ。

いずれの音楽も不可思議だ。Op.30の方は調性が不明確だがハ調らしく、長大なチェロ独奏が優しくもあり、不安げでもあるモチーフを断続的にコーダまで引きずる。オケとのダイアロク部分とチェロのモノローグ部分が交錯しながら進む起伏の大きな展開だ。

ライナーにある通り、幼少期にチェロでなぞったグリーグの子守歌（Berceuse）からインスパイアされたという。そして、奇妙な夢を見ているようで、また完全に覚醒している私を宥（なだ）めてくれるような大規模な子守歌を作ったのだ、という述懐が雰囲気的には理解できる。

安定と不安定、明と暗、そしてどこまでもゆっくりと墜落して行くような浮遊感が堪らない作品だ。但し聴き辛い曲で解釈も難しく、従って万人にお勧め出来る代物ではない。

（録音評）
ONDINEレーベル、ODE 1133-2、通常CD。録音はEdinburgh, Greyfriars Church 12-14 Apr. 2007、プロデューサー：Paul Baxter(Delphian Records)、エンジニア：Adam Binks(Classical Record Production)とある。

ONDINEはSACDハイブリッドの旗手として永らく君臨してきたレーベルだが、ここのところシングルレイヤーCDでのリリースが主となった。理由は良く分からないが、CDだけでも十二分なクォリティが得られるので敢えてSACDハイブリッドで出す理由が見つからなくなったと言うことなのだろうか。

音質はかなり良好で、演色度合いは極小、空間の拡がりも相当秀逸、レンジも上下とも素直に伸びている。モルクのVcは中庸位置で捉えられているが生々しい臨場感と実在感が素晴らしい。オケ残響の深みも十二分に堪能できる壁抜けするサウンドステージは広大だ。


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